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Claes Oldenburg est un sculpteur américain connu pour ses représentations innovantes d’objets de la vie de tous les jours, à la fois dans des installations grand format et dans des rendus aux matériaux plus souples. Aux côtés de Tom Wesselmann, Jasper Johns et Allan Kaprow, Oldenburg est lié très tôt au mouvement Pop Art.
Le Pop Art, un courant artistique vibrant et audacieux, a émergé au milieu du 20e siècle pour défier les conventions établies du monde de l’art. En intégrant des images issues de la culture populaire et de la société de consommation, il a provoqué une onde de choc qui résonne encore aujourd’hui. Des boîtes de soupe Campbell d’Andy Warhol aux bandes dessinées agrandies de Roy Lichtenstein, le Pop Art a capturé l’esprit d’une époque et a ouvert de nouvelles voies d’expression artistique.
Spoonbridge and Cherry (1988) de Claes Oldenburg et Coosje van Bruggen, Minneapolis Sculpture Garden.
Né le 28 janvier 1929 à Stockholm, son père est diplomate aux États-Unis, et il étudie à l’Institut d’art de Chicago. Ses premières expositions à New York présentent des environnements assemblés à partir d’images, de papier mâché et de plâtre. En 1957, Oldenburg crée Sausage, sa première « sculpture souple », un collant de femmes rempli de papier journal.
Puis, il commence à se tourner vers l’art public avec The Store (1961), une installation immersive où il loue l’espace à des boutiques du Lower East Side pour vendre de la nourriture et stocker des sculptures en plâtre de marchandises. Dans les années 1970, Oldenburg s’intéresse aux grandes sculptures extérieures construites à partir d’acier Cor-Ten, comme Free Stamp à Cleveland et Crusoe Umbrella à Des Moines.
Le Pop Art est né d’une révolte contre les approches artistiques dominantes et les conceptions traditionnelles de ce que l’art devrait être. Les jeunes artistes sentaient que ce qu’ils apprenaient dans les écoles d’art et ce qu’ils voyaient dans les musées n’avait rien à voir avec leur vie ou les choses qu’ils voyaient autour d’eux chaque jour. Ils se sont alors tournés vers des sources telles que les films hollywoodiens, la publicité, les emballages de produits, la musique pop et les bandes dessinées pour leur imagerie.
Initialement, les critiques modernistes ont été horrifiés par l’utilisation par les artistes Pop d’un sujet aussi « bas » et par leur traitement apparemment non critique de celui-ci. Cependant, les défenseurs du Pop Art le considéraient comme un art démocratique et accessible, réunissant les connaisseurs et les spectateurs non initiés.
Le Pop Art a ainsi marqué une rupture avec la hiérarchie établie entre la « haute » et la « basse » culture, remettant en question la suprématie de l' »art noble » du passé et les prétentions des autres formes d’art d’avant-garde contemporaines.
Les caractéristiques du Pop Art.
Le Pop Art a émergé au Royaume-Uni au milieu des années 1950 et aux États-Unis à la fin des années 1950, atteignant son apogée dans les années 1960. Différentes cultures et différents pays ont contribué au mouvement au cours des années 1960 et 1970. Cette période d’après-guerre a été marquée par un essor de la consommation dans les années 1950 et 1960, caractérisé par l’optimisme, le design commercial, la culture médiatique et la mondialisation de la musique pop et de la culture jeune.
Cette ère a vu une montée des valeurs axées sur les produits de consommation. Le Pop Art a reflété et s’est engagé avec cette époque de production de masse et de saturation médiatique, né dans un climat socio-politique d’après-guerre où les artistes ont célébré les objets du quotidien.
Le Pop Art a également émergé en réaction à l’expressionnisme abstrait, le style dominant de l’époque, qui était perçu comme introspectif et élitiste. Il représentait un retour à l’art figuratif, caractérisé par des contours nets et des formes distinctes. Le Pop Art américain utilisait la réalité impersonnelle et banale, l’ironie et la parodie pour « désamorcer » le symbolisme personnel de l’expressionnisme abstrait. Les artistes Pop visaient un attrait de masse en mélangeant des éléments de la culture populaire avec des techniques de peinture traditionnelles, cherchant à inverser la tendance élitiste et abstraite en réintroduisant l’image comme dispositif structurel.
Oldenburg a été un pionnier des « sculptures molles », réalisées en toile ou en vinyle rembourrés de mousse, transformant les objets quotidiens en une combinaison unique et surréaliste d’art et de commerce. Il a fréquemment collaboré avec sa femme, Coosje van Bruggen, sur des projets monumentaux.
Soft Toilet (1966) de Claes Oldenburg, Museum Ludwig, Cologne.
L’œuvre d’Oldenburg a introduit la sculpture dans le Pop Art, une innovation clé à l’époque. Ses objets, bien que parfois insignifiants en apparence, devenaient des entités expressives, soulignant l’absurdité de la culture américaine avec un cynisme plus doux que celui de ses pairs du Pop Art.
Par exemple, « Spaghetti » (1970) de James Rosenquist est une lithographie audacieuse aux couleurs vives, représentant des spirales de nouilles de spaghetti à l’américaine.
Le Pop Art se caractérise par un ensemble de thèmes récurrents qui reflètent la société de consommation et la culture populaire de l’époque. La culture de consommation et la société de consommation sont au cœur du mouvement, avec une exploration omniprésente des biens produits en masse et de la publicité. La célébrité et les médias de masse sont également des thèmes centraux, avec une fascination pour la gloire, Hollywood, la musique pop et les bandes dessinées. Les objets du quotidien sont élevés au statut d’art, soulignant le banal et le transformant en extraordinaire. L’ironie et l’humour sont utilisés pour commenter de manière ludique et souvent satirique la société de consommation et les normes sociales.
Les artistes Pop ont utilisé diverses techniques artistiques. La sérigraphie (impression à l’écran), popularisée par Warhol, a permis la reproduction en série d’images. La lithographie était privilégiée par Lichtenstein pour ses œuvres inspirées des bandes dessinées. Le collage et l’assemblage consistaient à superposer et combiner des images et des objets issus de la culture populaire. Les techniques mixtes combinaient divers matériaux et approches dans une seule œuvre. Les points Ben-Day, signature de Lichtenstein, imitaient l’impression des bandes dessinées.
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